Vente otra vez a Alemania, Pepe.

VENTE OTRA VEZ A ALEMANIA, PEPE. 


¡Qué gente! ¡Qué país!

Son buenos momentos para ver esta película.

La elección se debe a la situación actual; ¿quién no ha pensado ya en irse a Alemania a buscar un futuro? Es la famosa fuga de cerebro, ahora en auge por la fama de ser Alemania el paraíso laboral al que tenemos que viajar para huir de la situación española.

Nuestra película no se aleja de esta trama, pero rodada en 1970, por lo tanto creemos que ambientada también en el mismo año. La película ficticia, no basada en hechos reales aunque perfectamente posible, tiene lugar en dos escenarios: Paralejos, un pueblo de Aragón; y Munich, Alemania.

Plano a Plano. La vida del Estudiante

Retrato de la vida mitológica del Estudiante desde la mente de unas cuantas perturbadas.
Documental didáctico para Comunicación Audiovisual.
Completamente bilingüe (Subtítulos integrados, no teman).

Twitter. @Calipatifornia

El chicle de la Johansson

" Hay pocas cosas que realmente me importen en la vida: mi cuerpo, mi apartamento, mi coche, mi familia, mi iglesia, mis chicos, mis chicas y mi porno. “

Jon

Don Jon

ESTRENO 2013

Acostumbradas al Joseph Gordon-Levitt tierno y cálido de 500 days of Summer, se nos presenta en esta comedia como el chico malo, de una chica por noche, y de camiseta blanca de tirantes adicto al porno. Un casi trentañero que no encuentra una relación sexual más satisfactoria que la que puede proporcionarle un vídeo pornográfico. Ni siquiera la mismísima Scarlett Johansson consigue, con sus exuberantes dotes remarcadas en la película, hacer que nuestro Don Juan olvide estas relaciones unidireccionales a través de la pantalla.

Estos 88 minutos están repletos de ironías y elementos contradictorios para darle un toque de sorna y gracia a la película; que realmente es el guiño que marca la diferencia entre un bodrio y una hora y media entretenida.

Bienvenidos a Cinematón Cosas de cine contadas por gente borde

Hola, me llamo Crispy. Y sí, soy un erizo. Sé que puede sonar cutre, es culpa del erizo de Génesis que canta Carlos Baute y desprestigia a la raza, algún día lo pillaré.

Un día me cansé de mi vida arrastrándome en una caja de zapatos y decidí marcharme a Hollywood a buscar suerte, entré en google, puse maps y empecé a andar En Busca de la Felicidad. Desde entonces he vivido mil experiencias hasta hacerme redactor jefe del magnífico blog Cinematón, que ahora mismo visitáis. Diréis que qué pinta un Erizo en Hollywood, pues lo mismo que un señor con las manos llenas de tijeras, al menos yo no soy un peligro para la sociedad.

Cuando llegué fue todo un poco Juegos del Hambre, y me tenía que buscar la vida, así que entré en El Club de la Lucha, pero me echaron por bajito, injusticias de la vida, luego Josh Hutcherson está por ahí, protagonizando películas…

Bueno, al menos conocí a Brad Pitt, y sí, fui yo quien le enseñó a comer tan cinematográficamente. También fui yo quien le dijo a Ben Affleck que con ARGO de barba le harían más caso, pero se olvidó de agradecerme el Oscar.

Después de hacerme un hueco en las mejores fiestas de Hollywood, me cansé de las drogas y de ver a Miley Cyrus chupando martillos, así que decidí volver a casa y hacer un blog para seguir criticando el mundo cinematográfico de la manera más sarcástica posible.

Al principio no entendía de que iba todo esto: enlaces, spam, blogs… me sentía un poco Lost, pero al final me he hecho a Internet y tengo en plantilla a 4 mentes perturbadas que me ayudan a publicar cosillas. 

Gracias a ellas os llegarán mis pensamientos de erizo traumatizado porque... no entendí Origen.

Callao, que empiezan los Juegos

― Desearía poder congelar este momento, justo aquí, justo ahora, y vivir en él para siempre.

Normalmente este tipo de comentario, el tipo que insinúa su amor inmortal por mí, me hace sentir culpable y horrible. Pero me siento tan cálida y relajada y tan por encima de toda preocupación por un futuro que nunca tendré, que dejo que se escape la palabra:

― Vale.

Peeta y Katniss

¿Por qué no le tiraste el pan a la cabeza?

Los Juegos del Hambre: En Llamas

El pasado noviembre tuvo lugar en los Cines Callao la Première internacional de la segunda parte de la saga de Los Juegos del Hambre: En Llamas. 

Cientos de personas se congregaron en la plaza para presenciar la llegada a la capital de los actores del último éxito de Lionsgate. El tiempo de espera para su llegada fue amenizada con la banda granadina Lori Meyers, partícipe del movimiento de bandas alrededor del mundo que han colaborado en la Banda Sonora Original de En Llamas. Acompañados por la cantante Anni B Sweet, interpretaron la canción original de la película así como algunas de las canciones de su último LP, Impronta. Tras su partida, lo de "amenizar" la espera se volvió contra todo ser viviente y la canción fue reproducida en un bucle infinito hasta que se convirtió en banda sonora de nuestras vidas.

Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson y Liam Hemsworth provocaron los gritos y lágrimas de todas las locas adolescentes seguidoras de las películas o bien de los libros (porque aún no han llegado al tercero). Junto con la productora Nina Jacobson y el nuevo director al frente de las restantes películas Francis Lawrence (y no, no es primo de Jennifer) presentaron la película para todos los fans y los privilegiados a asistir al estreno dentro de Callao.

Yo antes IVA al cine

Kinépolis, que en griego significa «Ciudad del Cine», es una empresa belga dedicada, principalmente, a la exhibición de películas en sus establecimientos repartidos por varios países europeos, entre ellos España. Pero, ¿se estará quedando sin habitantes esta polis?

Este negocio comenzó en 1960 como un pequeño cine en Harelbeke, una ciudad de Bélgica, donde acudían vecinos para ver las películas de entonces. Sin embargo, la empresa creció y dejó de ser un pequeño cine de barrio para pasar a ser la empresa más importante de su sector, contando con 22 complejos por Europa y, así, aumentando el número de vecinos exponencialmente. Como ella, también han ido creciendo sus precios: la entrada normal cuesta ahora 9,90€, la entrada reducida (carnet joven o universitario, niños, minusválidos y mayores de 65) 8,50€, y  la del día del espectador 8,30€. En menos de un año, con la subida del IVA, las entradas han aumentado en más de un euro cada una.

Datos de este último año 2012 muestran que en España, Kinépolis ha perdido 300.000 espectadores. ¿A qué se debe? ¿Se deberá a esta gran subida de sus precios? Quizás, los españoles no estamos dispuestos a pagar tal suma para ver una película. Para poder solventar esta duda, he buscado diferentes respuestas e hipótesis, tanto de los espectadores como de los trabajadores de esta gran empresa. Manu Claessens, el Director General de Kinépolis en España, se explica diciendo:

“Para nosotros, una de las causas principales de la bajada de espectadores en España es el escaso éxito del producto local. Hay gente que le gusta el cine español, pero últimamente no encuentra la película que busca. En otros países, gracias a una producción nacional que ha sabido conectar con el público, lo tienen más o menos controlado (...) Nuestro reto más importante es la lucha contra la piratería y el efecto que tiene la piratería que es la creciente percepción de gratuidad del producto de cine. La gente ya no estará dispuesta para pagar dinero para ver cine…Otro reto que tenemos nosotros es una percepción negativa de la relación calidad – precio. Tenemos que ser honestos: hay mucha gente que percibe el acto de ir al cine como una cosa cara y es nuestro objetivo el cambiar esa percepción porque pensamos que es una percepción, no una realidad.” Manu Claessens, en la revista online  TMV- Revista digital para profesionales.

Si lo dice Brad Pitt yo también me apunto El Club de la Lucha

" Si estás leyendo esto, el aviso va dirigido a ti. Cada palabra que lees de esta letra pequeña inútil, es un segundo menos de vida para ti. ¿No tienes otras cosas que hacer? ¿Tu vida está tan vacía que no se te ocurre otra forma de pasar estos momentos? ¿O te impresiona tanto la autoridad que concedes crédito y respeto a todos los que dicen ostentarla? ¿Lees todo lo que dicen que leas? ¿Piensas todo lo que dicen que pienses? ¿Compras todo lo que dicen que necesitas? Sal de tu apartamento. Busca a alguien con quien pasar toda tu vida. Basta ya de tantas compras y masturbaciones. Deja tu trabajo. Empieza a luchar. Demuestra que estás vivo. Si no revindicas tu humanidad te convertirás en una estadística. Estás avisado. "

Tyler Durden

El Club de la Lucha

Título original   Fight Club

Año   1999

Producción   Art Linson, Ceán Chaffin, Ross Grayson Bell.

Guión   Jim Uhls

Dirección   David Fincher

Música   John King

Dirección artística   Chris Gorak

Intérpretes     Brad Pitt, Edward Norton, Helena Bonham Carter, Jared Leto, Meat Loaf

El club de la lucha es un llamamiento a la rebeldía y al nihilismo personal como un primer paso para alcanzar un equilibrio definitivo.

Es una cinta que pretende plasmar todos los aspectos de la baja sociedad a través de un punto de vista poco común; el de un personaje inferior, simple, que más tarde se verá convertido de la mediocridad absoluta al inconformismo más destructivo, para finalmente alcanzar ese balance y aceptación que le permite la madurez y el rechazo de todo extremo.

Fincher describe al narrador como un hombre común que trata de hacer todo lo que le enseñaron a hacer, que busca encajar en el mundo convirtiéndose en lo que no es. El narrador no puede encontrar la felicidad, así que recorre el sendero de la iluminación para deshacerse de todas las ataduras de la moralidad y la humanidad. Esta necesidad le llevará por un camino de liberación de sus padres, su Dios y su maestro. Al principio de la película, ha matado a sus padres. Con Tyler mata a su Dios renegando de él. Para completar el proceso, el narrador tiene que matar a su maestro, Tyler Durden.

Nada malo puede suceder en Tiffany's Y menos si vas a desayunar

" No entregues nunca tu corazón a un ser salvaje, porque si lo haces, más fuerte se vuelve. Hasta que tiene la suficiente fuerza para volver al bosque o volar hacia un árbol. Y luego a otro más alto hasta que desaparece. "

Holly Golightly

Desayuno con Diamantes

Título original     Breakfast at Tiffany’s

Año     1961

Producción     Martin Jurow, Richard Shepherd (Paramount Pictures)

Guión     George Axelrod

Dirección     Blake Edwards

Música     Henry Mancini

Dirección artística     Hal Pereira, Roland Anderson

Intérpretes     Audrey Hepburn, George Peppard, Patricia Neal, Buddy Ebsen, Martin Balsam

Desayuno con Diamantes es, para muchos, la comedia romántica por antonomasia. Rodada en ocho semanas en la ciudad de Nueva York, la película fue un completo éxito en su estreno.

La temática de la trama en la cinta muestra una historia divertida y aparentemente frívola, y muestra dos caras tan opuestas como inseparables, ya que se complementan. Comedia y tragedia se juntan de la mano para entretener a un amplio público.

El film es una sátira de la alta burguesía neoyorquina de la época, al mismo tiempo que retrata la parte más amarga de ella, de quien sólo busca la felicidad en el lujo y el confort.

La cinta habla también de sueños inalcanzables que se desvanecen con la noche neoyorquina, de retos y de miedos, de la necesidad de sobrevivir en medio del caos y el anonimato de la gran ciudad. Este anonimato se ve simbolizado en el gato sin nombre ni dueño.

Bajo la aparente felicidad y equilibrio con el que Edwards embriaga la película, queda patente la genialidad del director consiguiendo transmitir un trasfondo mucho más complejo en una comedia romántica. 

Lanzamos nuevo proyecto: Salto de Fe

Trailer del próximo proyecto en el que colaboran algunos miembros de Calipatifornia.

Salto de Fe, un cortometraje sobre la naturaleza humana y sus límites en situaciones de peligro.

Rebecca está en todas partes

La película de Rebecca fue filmada en 1940, y dirigida por Alfred Hitchcock. El argumento según François Truffaut: “Una señorita de compañía (Joan Fontaine) se casa con un lord (Laurence Olivier), atormentado por el recuerdo de su primera esposa, Rebeca, muerta misteriosamente. En la gran mansión de Manderley, la nueva esposa no se siente a la altura de las circunstancias, temerosa de decepcionar se deja dominar y luego aterrorizar por el ama de llaves, la señora Danvers, obsesionada por el recuerdo de Rebeca. Una investigación tardía sobre la muerte de Rebeca, el incendio de Manderley y la muerte de la incendiaria, la señora Danvers, pondrán fin a las angustias de la heroína”.

Nuestro análisis, va a girar en torno al papel de Rebecca desde las sombras, quien no aparece nunca directamente en la película pero que aún así, todos los hechos y todo lo que ocurre gira en torno a ella. La protagonista parece ser la mujer de Winter, ya que todo está visto desde su punto de vista pero Hitchcock no quiere que le demos importancia a ella y se la quitemos a Rebecca, y para ello no aparece durante todo el film el nombre de la nueva mujer de Winter. Siendo así los personajes secundarios: la mujer de winter, el señor Winter y la criada. Empecemos, por ejemplo, con el título de la película. Rebecca es el nombre de la difunta. Pero, ¿cómo se llama la protagonista? No se dice el nombre de la nueva Señora de Winters; de hecho, en la escena en la que aparecen comiendo con la hermana de Maxim se dirigen hacia ella y cuando va a llamarla por su nombre, Maxim la interrumpe; por lo tanto, no se llega a escuchar. Por lo tanto, ya con el título le están diciendo al espectador quién es importante y quién no. Y el público acepta el papel sumiso de la protagonista sin nombre, además, porque todo está lleno de referencias a la difunta esposa (servilletas, y decorados con la R).

Una curiosidad a destacara es la abundancia de flores en la habitación de la difunta. ¿Por qué unos seres tan vivos en la habitación de una muerta? Quizás, con la presencia de vida mediante las flores, el director intenta crear la sensación de que Rebecca sigue ahí.

Mud, Filoctetes y la camisa de Hércules.

Filoctetes, el héroe griego que ayudó a morir a Hércules, según cuenta Sófocles, fue mordido por una serpiente y abandonado por sus compañeros en una isla durante diez años como consecuencia del desagradable olor que desprendía la herida putrefacta. Pero Filoctetes guardaba con él las armas que le regalara Hércules, sin las cuales era imposible, según un oráculo, ganar la guerra de Troya. Por lo cual, inevitablemente, los compañeros hubieron de volver, le sanaron la herida, le llevaron de regreso y la guerra fue ganada. 

Mud, como Filoctetes, vive también en una isla, aislado por todos y, al igual que el héroe de Sófocles, fue mordido por una serpiente. Ahora bien, a Mud no es la vieja mordedura lo que le mantiene aislado. En su caso, la herida putrefacta que le lleva al ostracismo y el apartamiento es una mácula social, un contravenir de las leyes: el haber quitado la vida al tipo que maltrataba a la  mujer a la que él siempre amó y con la que aún mantiene un idilio tormentoso. Ambas, la de Filoctetes y la de Mud, son pues historias de honor, en la que el héroe lo es por haber mantenido su criterio personal de lealtad –Filoctetes hacia Hércules, Mud hacia Juniper, el amor de su vida- por encima incluso de su integridad física, del rechazo de la sociedad y de sus propias dudas morales.

Ulises, el mismo que abandonó a Filoctetes a su suerte, tuvo luego que regresar como mensajero de los griegos ya que un vaticinio de los dioses afirmaba que Troya no caería sin las armas de Filoctetes, regalo de Hércules. El papel de Ulises, en Mud, lo representan los niños, que descubren en el fugitivo a su propio héroe, espejo para su propia realización personal y, también, salvación del mundo que se desmorona a su alrededor: familia en divorcio, hogar, infancia. Como Filoctetes, Mud, posee las armas adecuadas para vencer al enemigo y derrumbar los muros.  Son las armas de Filoctetes las que darán muerte a Paris, hijo de Príamo, rey de Troya, y con él al universo troyano. Así mismo, son las armas de Mud las que ponen fin a la vida del hijo del mafioso omnipotente que lo atosiga y lo amenaza, y con él también se derrumba el pequeño mundo de la ribera que hemos ido presenciando desde el principio de la película.

Sobre Vértigo, bastones Y segundas intenciones

Vértigo, la gran película de Hitchcock, la que en 2012 desbancó a Ciudadano Kane como la mejor película de la historia, incluye una trama mucho más profunda que la que se muestra en las imágenes. 

Como nos tiene acostumbrados el gran cineasta, no deja nada al azar, esto incluye los decorados o el atrezzo. Si prestamos un poco de atención, podemos ver como en Vértigo, el cineasta está haciendo un claro guiño con los objetos hacia el libro en el que se ha basado para hacer esta película, De entre los muertos. 

En el libro de Boileau y Narcejac, el protagonista sufre de impotencia, algo que en la película nunca se muestra de forma clara, pero si con varios detalles:

En una de las primeras escenas, cuando Scottie está en casa de su amiga Midge, vemos como el protagonista juega con un bastón, como si no supiera que hacer con él. En esta misma escena podemos ver como el bastón es el medio que utiliza Scottie para señalar a la ropa interior que está diseñando su amiga. Este "no saber que hacer" se puede interpretar claramente como un guiño a esa imposibilidad de mantener relaciones sexuales que presenta el protagonista de la novela.

Otro de los guiños más claros durante la película se da cuando Madeline vuelve a casa de Scottie y le dice que ha encontrado su apartamento gracias a la torre que tiene enfrente. Esta torre se puede ver perfectamente desde la ventana de Scottie y simboliza el vigor que le llega a faltar al personaje, queda claro cuando le comenta a Madeline "es la primera vez que esta torre me sirve para algo". Un doble sentido muy claro.

El protagonista juguetea con su bastón

Pero no siempre los guiños han sido tan claros. Cuando se encuentra con Madeline en la playa, ya creyendo que se trata de Carlota Valdés, la secuencia termina con un plano de las olas rompiendo, sería el propio Hitchcock el que reconocería que se trata de una metáfora de que al fin, Scottie había podido mantener una relación sexual. Algo bastante destacable, ya que en ese momento el protagonista, está creyendo que Madeline está poseída por su antepasada Carlota Valdés, por lo que estaría manteniendo una relaciónn con una persona que ya no está entre los vivos.

Efectivamente, en la entrevista con Truffaut, el cineasta confirma que está intentando decir al espectador que Scottie solo puede mantener relaciones con personas muertas y ese es el motivo de que no haya podido mantener ninguna relación antes.

Una vez más, vemos como detrás de cada película, hay muchas más historias que pueden pasar desapercibidas para el espectador, pero que una vez conocidas, ayudan a cobrar sentido a muchas de las imágenes que se muestran.

El reflejo de Hitchcock en Van Sant

Psycho, la obra de Van Sant, es considerado uno de los remakes más innecesarios de la historia, ¿por qué Van Sant se empeñó en pasar a color la obra de su gran maestro? Quizá fuera por eso, por pasarlo a color e intentar mostrar como quedaría. Pese a el gran cambio que supuso el uso de color en este clásico, vemos que la esencia de Alfred Hitchcock permanece prácticamente intacta, bien se con los juegos con la luz o con el uso de los diferentes tonos.

Protagonistas en el espejo

La evolución del vestuario de la protagonista de Psyco es la misma que sigue su gran maestro en el episodio de la serie ya nombrada. Podemos ver como en un primer momento la ropa interior de la protagonista es roja, indicando pasión, la pasión que se está viviendo en esa habitación. Cuando se viste, su ropa tiende hacia tonos más inocentes, como es el caso del rosa, ello intenta mostrar que ella no es la culpable de lo que va a hacer, que lo hace llevada por el amor que siente hacia su amante.

Estas variaciones de color no solo afectan a la protagonista, sino también a los decorados y luces utilizadas. Mientras que en un principio se nos muestran tonos claros y colores pastel, sobre todo en la secuencia de la oficina, para transformarse en colores más fuertes y oscuros una vez cometido el delito. Cabe destacar un detalle que puede pasar desapercibido. Si nos fijamos vemos que en un primer momento la protagonista guarda el dinero robado en un pequeño bolso blanco, pero una vez se pasa a la escena de la habitación, vemos que el dinero pasa a un bolso de un tono más oscuro, como indicando que ese dinero ya no es tan inocente como en el momento que se entregó.

Pero si algo destaca es el uso de los espejos. Durante la primera secuencia, vemos como en numerosos planos ambos protagonistas aparecen reflejados en numerosas ocasiones, siempre ella por debajo de él, un claro guiño a la misoginia que siempre ha mostrado Hitchcock en sus películas. Este espejo puede representar el amor idealizado que siente la protagonista hacia su amado, algo no real, un reflejo de lo que a ella le gustaría que fuera y no es.

Para concluir, un detalle curioso de la película es que, al igual que hacia Hitchcock en las suyas, Van Sant también aparece en el film. Cuando la protagonista entra en la oficina, vemos en la parte derecha a dos hombres hablando amigablemente, uno de ellos es Van Sant y el otro, mantiene un cierto parecido con el cineasta Alfred Hitchcock.